Luca Ramacciotti – Sogetsu Concentus Study Group

(Jenny Banti Pereira e Sofu Teshigahara)

Inizio questo mio post con una citazione di Karl Popper per parlare di un’emozionante pomeriggio svoltosi all’Istituto Giapponese di Cultura per onorare la maestra Ohara Jenny Banti Pereira ad un anno dalla sua scomparsa (Jenny Banti Pereira Grandmaster. Una vita per l’Ikebana).

Ideato da Silvana Mattei, allieva della signora Banti e direttrice dello Study Group Ohara Alto Lazio e Umbria, la giornata è stata più che all’insegna della nostalgia al raccontare chi fosse l’insegnante, la donna che tanto ha fatto per la divulgazione dell’ikebana in Italia e in Europa.

Dopo l’introduzione alla serata da parte dell’Ambasciatore del Giappone in Italia (Kazuyoshi Umemoto) e della Direttrice dell’Istituto (Naomi Takasu), il figlio Giorgio Banti e i nipoti Giacomo, Francesca e Caterina hanno letto i messaggi giunti dall’HeadMaster Hiroiki Ohara, di Geneviève Ausenda (Presidente Onorario Chapter di Milano) e le testimonianze di maestri provenienti dalla Francia (Annik Gendrot), dalla Grecia (Joanna Barczyc), dal Belgio (Greta Vervoort), ancora dalla Francia (Marcel Vrignaud), dal Giappone (Atsuko Maruyama) e dalla Germania (Inge Lehenert).

La signora Leda Violante (Presidente Studio Arti Floreali) ha ricordato di quando la signora Banti si recava presso di loro per incontri, dimostrazioni e workshop mentre al sottoscritto è toccato l’onore e l’onere di parlare in quanto Presidente del Chapter Roma di Ikebana International e rappresentante della Sogetsu a Roma (Concentus Study Group). Come tutti sanno io mi emoziono molto a parlare in pubblico e stavolta per me l’emozione era davvero molta. La signora Banti io la vidi durante una dimostrazione dell’evento del 2005 presso l’Istituto dove è cominicato il mio percorso dell’ikebana, ho cercato e studiato tutti i suoi libri, l’ho incontrata ad una conferenza tenuta da Mauro Graf (Ritratto di famiglia) e soprattutto ricordo l’applauso del pubblico che in piedi l’accolse quando entrò nella sala del Museo di Arte Orientale per la presentazione del Chapter Roma di Ikebana International (S’impasta l’argilla per fare un vaso | e nel suo non-essere si ha l’utilità del vaso).

Anche se io ho studiato un’altra scuola un personaggio come la Banti è di interesse per tutti coloro che seguono la via dei fiori e i suoi libri van conosciuti, letti ed imparati. E ringrazio Silvana Mattei per avermi fatto presenziare a questo evento che è proseguito con le dimostrazioni tenute dal Chapter Milano (Maria Masera assistita da Lucia Circo), dal Chapter Roma (Anna Maria Ratto assistita da Rosangela Piantini), dal Bologna Study Group (Fiorella Falavigna assistita da Elisabetta) e al termine la stessa Silvana Mattei (assistita da Paolo Biagini).

Un incontro istruttivo, una sala strapiena, dove più di una volta si è parlato di come la Banti fosse stata non solo una grande artista, una sperimentatrice, un’innovatrice, ma anche una persona molto puntigliosa, severa. Questi due atteggiamenti non erano detti come critica, ma con estremo rispetto (per questo quella citazione per titolo del mio post) perché tutte le persone che erano lì a ricordare la signora Banti, le testimonianze da parte dei rappresentanti europei hanno dimostrato che aveva lei ragione e loro tutti lo sapevano. Il “pretendere” porta alla professionalità, alla perfezione; se un allievo è intelligente si sente stimolato da un maestro che ogni volta alza l’asticella e chiede un maggiore impegno. Questo ha portato la signora Banti e i suoi allievi ad esporre sempre in Musei prestigiosi non solo europei e non in circoletti qualsiasi in un momento storico dove non si sapeva, come oggi, cosa fosse l’ikebana.

Ringrazio Silvana anche per la foto che apre il post.

Concentus Study Group

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Il titolo di questo post è di Herbert Marshall McLuhan che prosegue affermando: La fotografia, il cinema, conferiscono una specie di immortalità, una preminenza alle immagini e non alla vita reale.

Mi riallaccio idealmente al post precedente (L’arte è gioia, memoria e non costrizione) dove si analizzava l’importanza di ricordare un ikebana attraverso la fotografia sia per un proprio piacere personale sia perché opere di Sofu, Kasumi, Hiroshi o Akane senza la fotografia probabilmente sarebbero andate perse come quelle di altri maestri, di altre scuole, precedenti a loro. Perché il disegno di un ikebana non è mai la stessa cosa di una fotografia.

Quando noi posizioniamo un ikebana questo riceverà della luce che sia di una fonte elettrica o naturale. La luce che proviene dalla finestra è differente da quella elettrica e questa da quella al neon. Tre luci che daranno forma (e colore) differente al nostro lavoro.

Noi che lo abbiamo in casa sappiamo come è fatto, ma ad una mostra come andiamo ad illuminarlo? Recentemente alla dimostrazione fatta da Ikebana International all’Archivio Centrale dello Stato i nostri tavoli erano stati posizionati male per ciò che riguardava l’illuminazione e (io, Silvana e Romilda dato che nessuno ci dava una mano) ce li siamo spostati affinchè i nostri ikebana fossero adeguatamente illuminati.

E dopo?

Come vogliamo trasmettere o illustrare il nostro lavoro?.

Consideriamo che la luce diretta intensifica colori come il rosso e il porpora mente il blu e il viola perdono di intensità e il giallo tende a sembrare bianco e la luce neon “cambia” il colore e il volume del materiale che illumina. Probabilmente è una mia deformazione professionale, ma ho sempre visto con stupore e meraviglia come una scenografia possa trasmormarsi con l’illuminazione giusta, possa comunicare al pubblico determinati stati di animo. Spesso diamo per “scontato” quanto la luce ci influenzi.

E tutto ciò è ben descritto nel video a cura di Ben Huybrechts dove possiamo vedere come un’installazione cambi di forma e volume a seconda di come venga illuminato per cui andando a fotografare un ikebana (soprattutto se non è eseguito da noi) abbiamo una bella responsabilità che ci dovrebbe portare a non accontentarci di uno scatto e via.

A lezione io premo molto su questo tema e per me è significativo vedere come un allievo usa le foto fatte da me, come invece scatta la foto con il cellulare senza minimamente stare ad inquadrare bene il suo lavoro o come a casa metta in pratica ciò che io gli ho trasmesso io nel mio piccolo o fotografi come Ben Huybrechts, Giuseppe Cesareo o Lorenzo Palombini. Se noi ci teniamo che il nostro lavoro sia ben realizzato, preciso, equlibrato perché poi al mondo lo presentiamo in una maniera non adeguata? E se anche lo volessimo tenere solo per noi perché mortificarlo o accontantarsi di una foto quasi buona? Non sarebbe rispettoso verso i fiori e l’arte che amiamo. Quindi ricordiamoci sempre di come usare la luce, come indirizzarla e di come risaltano e risultano i colori dei nostri materiali.

  La luce è una cosa che non può essere riprodotta ma deve essere rappresentata attraverso un’altra cosa,
attraverso il colore. Sono stato contento di me, quando ho scoperto questo.
(Paul Cezanne)

Concentus Study Group

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(Arrangement by Greet Snoodijk, Myra Nicole Kruimel – Sogetsu Ikebana Exhibition Roosendaal – 2016 – © fotografico Ben Huybrechts)

Spesso, durante le conferenze, o le dimostrazioni di ikebana mi chiedono di dare la definizione di questa arte. Lo scorso 9 novembre (150 anni.. di armonia) disse bene Silvana Mattei che generalmente si ha l’idea dell’ikebana come di un ramo contorto con un fiore e di come questo concetto sia completamente errato.

Ognuno sceglie la scuola che maggiormente si avvicina al suo stato di animo e all’interno di essa troverà stili o temi che prediligerà. Però lo dovrà fare con una coerenza stilistica ed andare a toccare tutte le sfaccettature di quella scuola che ha deciso di seguire perché, credo, l’ikebana di tutte le arti giapponesi è quella che ha maggiormente seguito l’evoluzione della società e dell’arte mondiale.

Per questo pubblico volentieri questo estratto della newsletter che Ilse Beunen manda agli iscritti della sua piattaforma online.

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(clikkare per ingrandire)

Jenny Banti Pereira, Grand Master della Scuola Ohara, a molti, in Italia ed in Europa, ha insegnato cosa sia l’ikebana. Con passione, rigore e onestà intellettuale.

A un anno dalla sua scomparsa l’Istituto Giapponese di Cultura ospita un evento in suo onore con dimostrazioni  di ikebana e interventi per ricordarne la carriera e l’enorme contributo che ha dato alla diffusione dell’arte dell’ikebana in Italia e nel mondo dal titolo:

Jenny Banti Pereira Grandmaster, una vita per l’ikebana.

Martedi 25 ottobre ore 17.30

Istituto Giapponese di Cultura

Via A. Gramsci 74- Roma

Tale evento, a cura di Giorgio Banti e di Silvana Mattei,  è stato organizzato dall’ Istituto Giapponese di Cultura e da  Ikebana Ohara Alto Lazio e Umbria Study Group, è patrocinato dalla Fondazione Italia Giappone, e ha avuto l’onore di essere inserito tra le celebrazioni ufficiali del 150° Anniversario delle relazioni tra Giappone e Italia. Partecipano Studio Arti Floreali e Ikebana International Rome.

A questo testo inviatomi gentilmente da Silvana Mattei vorrei aggiungere che l’evento, oltre ad ononorare una grande Artsita dell’ikebana, sarà un momento di contatto e conoscenza verso una delle tre grandi scuole di ikebana.

Concentus Study Group

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Fin dall’antichità l’uomo ha sempre sentito il bisogno di raffigurarsi, di “bloccare” nel tempo le sue esperienza, le sue idee, i suoi ricordi. Dalle pitture rupestri, alle statue, ai dipinti i Grandi della Storia, le Divinità, il popolo (artigiani, commercianti, contadini etc) sono rimasti congelati nel tempo su tele, rocce, pietre per raccontare a noi come vivevano, cosa provavano etc.

Oggi ovviamente con la fotografia digitale (e l’uso di smartphone anche) le immagini si sono triplicate rispetto anche a pochi decenni fa e servono ad imprimere un ricordo, un cibo, un’amicizia…. un ikebana.  Mai un’arte così transitoria è potuta sopravvivere “tangibilmente”. Se è vero che l’ikebana si fa in quel momento (che già alcuni minuti dopo forse lo faremmo diversamente) e per noi stessi, è anche vero che dato che abbiamo la possibilità di serbarne un ricordo perché doverci rinunciare? Una volta un ikebana veniva poi disegnato. Probabilmente un ritratto fedele, ma MAI come una fotografia.

Per chi è iscritto a Facebook sa che ogni giorno questo social ti fa rivedere, ricordare avvenimenti degli anni passati.

In questi giorni sono rispuntatte le fotografie del workshop che tennero a Roma Ilse Beunen e Ben Huybrechts.  E vedendo le foto sorridi subito pensando alla gioia e all’armonia provate. Tra l’altro io di salute ero messo molto male (rischiavo davvero la vita), ma questa esperienza mi diede una tale carica che nessuna medicina avrebbe mai potuto fare.

(Fotografia di Tiziana Biondo)

Se è pur vero che l’esperienza, la gioia e il divertimento sono sensazioni incancellabili dai nostri cuori è anche palese che rivedere le foto magari ti riporta un sorriso in una giornata no, o ti fa ricordare particolari che piano piano la nostra mente cancella.

(Fotografia di Ben Huybrechts)

Possono anche essere ricordi di una momentanea difficoltà come quella provata per l’ikebana che vedete qui sopra. Eravamo al workshop di Monaco tenuto da Ilse Beunen dove (come in tutti i workshop) si hanno 40 minuti a disposizione per fare il tuo lavoro ed io avrei dovuto fare una struttura o inclusa nell’ikebana o che andasse ad “avvolgere” l’ikebana. Un tema mai affrontato prima e non nella mia natura (mentre io annaspavo intanto il maestro Farinelli costruiva in pratica la Torre Effeil con questa struttura). Fu un esercizio faticoso, ma istruttivo. Quella in foto è la versione corretta dell’ikebana io avevo sbagliato diverse cose.  Però ne ho un ricordo. Vedendo la foto rammento come io l’avevo fatto, le correzioni di Ilse, i suggerimenti, non perdo dei dettagli tecnici che la mia mente con il passare del tempo lascerebbe fuggire via. E c’è la gioia del ricordo, del passo in avanti fatto. Non ci fossero foto rimembrerei solo l’esperienza e niente altro. E poi sarebbe incomprensibile se io, da maestro, mi opponessi a fare foto e soprattutto scegliessi senzientemente di rinunciare a foto professionali. Nè lo negherei per capriccio alle mie allieve. Come in tutti i workshop, ero lì per imparare. Certo se dovessi sempre fare ikebana con i soliti materiali, forme, vasi smetterei. Ma una tantum va bene.

Si fa arte perché ci piace quel tipo di espressione, si accettano gli insegnamenti del maestro, i suggerimenti, ma ognuno di noi ha dei gusti, delle idee e non vanno castrate. Fare un ikebana con vasi e materiali che non piacciono una volta è istruttivo, due volte è una conferma di riuscire a svolgere quella tipologia di lavoro e dopo stroppia, diviene un esercizio di tensione tra il maestro e la frustrazione dell’allievo.

Il maestro deve incanalare la creatività dell’allievo, saperla far crescere. Sarebbe molto più semplice sfornare dei cloni, la difficoltà sta proprio nel correggere un lavoro rispettando l’idea dell’allievo.

Ci sono maestri che usano sempre la stessa tipologia di materiali, realizzano sempre la stessa forma, tutto lecito e tutto bello, ma fare arte per me è sperimentare di continuo. E’ una sifda con noi stessi. Manualmente io non sono mai stato bravo e ho sempre impiegato più di altri nel realizzare qualsiasi cosa per cui studiare ceramica per me è tanto “faticoso” quanto importante proprio per questo. Mi metto continuamente alla prova. Lo stesso in ikebana. Dovessi fare sempre la solita forma (che so  un ramo su, uno giù e un fiore al centro) avrei smesso da anni di fare ikebana. Vi devo trovare gioia, sfida, crescita nell’arte. Qualcosa che la vita quotidiana non da più.

E soprattutto voglio ridere e divertirmi lungo questo percorso. Per questo per me sono importanti alcune foto che riporto sotto come esempio (ma ce ne sarebbero tante altre da pubblicare). Perchè le foto hanno più memoria di me e mi ricordano la fortuna cheho avuto ad incontrare persone emravigliose lungo il cammino dei fiori.

Concentus Study Group

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(Ikebana di Luca Ramacciotti – Vaso di Sebastiano Allegrini)

Riprendo questo mio ultimo ikebana realizzato domenica scorsa (150 anni.. di armonia) perché vorrei illustrare un tema della scuola Sogetsu che è il materiale non convenzionale di cui ho già parlato in altri articoli.

Nell’ikebana sopra ho utilizzato della carta trattata che potesse sembrare un “fiore” e che per forma si avvicinasse alle Ortensie

(Ikebana di Luca Ramacciotti – Vaso di Sebastiano Allegrini)

Il materiale non convenzionale qui era un filo metallico malleabile che avevo trovato e che ho insegnato alle mie allieve.

(Ikebana di Luca Ramacciotti – Vaso di Sebastiano Allegrini)

In questo caso il materiale non convenzionale è ben visibile, ma pare quasi una cannetta di fiume piegata dal vento che passa a smuovere le calle.

Questo forse è stato uno dei miei ikebana più sperimentali, ideato per una mostra di arte ed ispirato a Pollock dove il colore che avevo dato ai rami con la tecnica del dripping si sposava con le biglie di vetro a sinistra.

(Ikebana di Luca Ramacciotti – Vaso di Hiroshi Teshigahara)

Qui il gioco era tra il cromatismo dei vasi e le strisce di plastica.

Dunque da cosa si evince con questi esempi? Che il materiale non convenzionale non deve subito saltare agli occhi,  ma essere perfettamente integrato con il materiale vegetale, non deve dar fastidio vederlo lì.

Ricordo che a lezione ad un’allieva diedi una pallina dell’albero di Natale tutta traforata (che io per “neutralizzarla” l’avrei usata come kenzan) per farci un ikebana e questa l’avvolse con delle foglie perché non le piaceva. Quindi sbagliato il tema. Non si era sforzata di usare un materiale difficile, ma lo aveva nascosto come fa lo struzzo con la testa. E non volle cambiare il suo lavoro ritenendolo giusto con il risultato che non ha mai imparato ad unire il materiale vegetale con quello “non”.

Spesso si vedono ikebana dove il materiale non convenzionale o supera l’elemento vegetale o lo soffoca o vi sta appeso. Non è un tema affatto facile, ma per questo molto molto stimolante e creativo.

Basta ricordare sempre che il risultato finale deve dare idea di armonia ed equilibrio tra i materiali senza che uno “seppellisca” l’altro. Sennò abbiamo fatto solo una bella composizione floreale curiosa non un ikebana.

Concentus Study Group

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(Lucio Farinelli, Romilda Iovacchini, Bhavna Maru, Luca Ramacciotti e Silvana Mattei)

Oggi presso la prestigiosa sala dell’Archivio Centrale dello Stato si è tenuta una giornata dedicata alle arti orientali che ha visto presente anche il Chapter Roma di Ikebana International da me presieduto e portato però avanti grazie alla collaborazione e l’entusiasmo di tutte gli iscritti a partire dalle persone nella foto che apre l’articolo che vorrei sentitamente ringraziare.

(clikkare sopra la foto per allargare)

Come si vede dalla locandina della mostra le attività nel corso della giornata sono state molte e tutte ben rappresentate ed hanno saputo coinvolgere il folto pubblico accorso.

Noi avevamo a disposizione tre tavoli (uno per ogni scuola) e dopo aver introdotto brevemente l’iniziativa ho lasciato la parola a Bhavna Maru che he saputo illustrare le origini dell’ikebana e la scuola che rappresentava ovvero l’Ikenobo.  Bhavna è una bravissima ikebanista ed ha saputo affascinare il pubblico realizzando uno Shoka ed uno Stile libero. Ha posto l’accento sulla posizione degli elementi e la scelta dei materiali per forme e cromatismi. Un piacere avere maestre come lei che con serietà ed “umiltà” si offrono per collaborare per queste importanti manifestazioni.

(Ikebana di Bhavna Maru)

(Ikebana di Bhavna Maru)

Silvana Mattei e Romilda Iovacchini invece erano delle conferme avendo con loro già fatto diverse dimostrazioni e mostre assieme. Poter parlare di scuole con passione, illustrandone le caratteristiche senza invidie o gelosie allarga il cuore sia per me che avevo accettato l’invito a partecipare all’evento sia da parte del pubblico che vi assisteva dato che l’armonia tra tutti noi era percepibile.

Silvana ha introdotto la scuola Ohara ed ha spiegato lo stile Rimpa che da lì a poco avrebbe eseguito. Già con le composizioni dell’Ikenobo fatte era possibile vedere le differenze tra le scuole, come “stesse” regole base vengano applicate in maniera differente. Con la sua esperienza botanica Silvana ha parlato di ogni materiale da lei utilizzato spiegandone le caratteristiche e la peculiarità.

(Ikebana di Silvana Mattei)

Romilda invece ha eseguito un Mawaru, una composizione più “moderna” della scuola Ohara ovvero uno stile nato per caratterizzare uno spazio che non era più la casa tradizionale giapponese. Quindi uno stile differente da quello eseguito da Silvana che si ispirava alle pitture dei paraventi. Romilda poi ruotando il vaso ha potuto fare vedere come il suo ikebana fosse ideato per essere visibile a 360° presentando tutti lati ben definiti e particolari.

(Ikebana di Romilda Iovacchini)

Per ultimi (rispettando rigorosamente l’ordine cronologio) noi della Sogetsu.

Dato che oggi, domenica 9 ottobre 2016, tornava l’apertura straordinaria di Biblioteche e gli Archivi statali, promossa dal Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo per valorizzare non solo i musei e le aree archeologiche, ma anche i monumenti di carta, patrimonio altrettanto imponente e ricco, conservato e valorizzato in splendidi luoghi della cultura sia il sottoscritto sia Lucio Farinelli avevamo ideato due ikebana che prevedessero l’introduzione della carta seguendo uno stile che si usa nella nostra scuola che poneve l’accento proprio sull’uso della carta in ikebana come materiale non convenzionale.

Lucio Farinelli è ricorso all’utilizzo di carta di riso che aveva acquistato in Giappone.

(Ikebana e vaso di Lucio Farinelli)

Invece io, rompendo le scatole per consigli a Fabrizio Galli (maestro della cartapesta di Viareggio) e a Luigina Monferini (esperta capo attrezzista teatrale) avevo ideato un ikebana dove la carta (che avevo lavorato in precedenza) potesse ricordare la forma delle ortensie che avrei utilizzato.

(Ikebana di Luca Ramacciotti – Vaso di Sebastiano Allegrini)

Per il pubblico presente è stato così possibile seguire un excursus storico e stilistico del mondo artistico dell’ikebana e noi, pur essendo tutti piuttosto stanchi, ancora una volta siamo rimasti soddisfatti per l’armonia e il divertimento provato nello stare assieme lungo il percorso dei fiori.

Concentus Studyy Group

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In questi giorni presso Pots c’è un workshop tenuto da Jeff Shapiro il maestro di Sebastiano Allegrini il quale con molta pazienza cerca di insegnarmi l’arte della ceramica.

Come scritto in altri post di questo mio blog per la mia scuola il vaso ha un ruolo fondamentale nella completezza dell’ikebana come ha ricordato anche la Iemoto Akane Teshigahara durante il suo workshop a Gent (The flower becomes me).

Iersera incontro preliminare con l’artista che ci ha narrato della sua esperienza di nove anni in Giappone come studioso di ceramica, come utilizza il forno, gli smalti o più spesso la cenere.

E’ stato istruttivo, per me, perché sapendo che insegno ikebana ogni tanto si parlava del connubio tra i suoi lavori ed i fiori, ma è stato emozionante come ha spiegato il suo concetto di arte ceramica, come illustrava tecnicamente ed esteticamente ogni suo lavoro che ci faceva vedere proiettando le immagini sullo schermo.

(© Jeff Shapiro)

Una continua ricerca di forme, colori e suggestioni data anche dalla natura stessa. L’artista infatti scatta fotografie di ogni cosa che lo colpisce come texture e da essa trae ispirazione per le sue creazioni. Ha portato come esempio la foto di un muro piuttosto materico alla cui base erano cresciute delle erbe alte e filiformi.

(© Jeff Shapiro)

E’ innegabile come la natura, dai sassi, alle rocce, ai terreni siano fonte di ispirazione per questo artista e di come l’estetica wabi giapponese gli sia rimasta incollata addosso dopo gli anni suoi di studio e i continui rapporti che ha con i ceramisti giapponesi (tra gli altri ha citato Suzuki Goro).

E questa estetica è quella che segue Sebastiano il mio paziente (con me) maestro di ceramica per cui il connubio con lui è stato di forte impatto fin dalla prima visita al suo laboratorio. Ovviamente non si deve avere solo una tipologia di vasi, ma è anche vero che ciò che caratterizza gli ikebana della Sogetsu è una certa “forza” di aspetto per cui, a seconda dei casi, la compoiszione potrebbe sovrastare il vaso andando così a perdersi l’equilibrio che andiamo a ricercare.

(© Jeff Shapiro)

Alcuni suoi lavori mi hanno ricordato anche vasi visti sui libri della Sogetsu realizzati da Sofu o da Hiroshi e questo mi ha davvero emozionato perché tutto continua ad  unirsi durante il mio percorso lungo la via dei fiori.

(© Jeff Shapiro)

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